Op-art is een afkorting van optische kunst, een vorm van geometrisch abstracte kunst, die optische sensaties onderzoekt door het gebruik van visuele effecten zoals terugkerende eenvoudige vormen en ritmische patronen, vibrerende kleurencombinaties, moirépatronen en voorgrond-achtergrond verwarring. Kunstenaars zijn al eeuwenlang geïntrigeerd door de aard van waarneming en door optische effecten en illusies. Vaak stonden ze centraal in de kunst, net zo goed als thema’s uit de geschiedenis of de literatuur. Formeel gebruiken alle Op Art-schilderijen en werken trucs van visuele waarneming, zoals het manipuleren van perspectiefregels om de illusie van een driedimensionale ruimte te wekken, en het mengen van kleuren om de indruk van licht en schaduw te creëren.
De term “Op-art” is mogelijk voor het eerst gebruikt door kunstenaar en schrijver Donald Judd, in een recensie van een tentoonstelling van “Optical Paintings” van Julian Stanczak. Maar het werd populair gemaakt door het gebruik ervan in een artikel in het tijdschrift Time uit 1964, en de oorsprong gaat vele jaren terug. Men zou zijn wortels kunnen zien in de 19e-eeuwse kunst en kleurentheorie, in de geschriften van Johann Wolfgang von Goethe over kleur, en in het bijzonder in de neo-impressionistische schilderijen van Georges Seurat.
De wortels van Op Art, in termen van grafische en kleureffecten, zijn terug te voeren op het impressionisme, kubisme, futurisme en dada, maar de stroming komt misschien meer voort uit de constructivistische praktijken van het Bauhaus. De Duitse school benadrukte de relatie tussen vorm en functie binnen een kader van analyse en rationaliteit, wat leidde tot het spiegelen van de tegencultuur van die tijd in de omhelzing van grafische vormen en felle kleuren. In die tijd experimenteerden artiesten als M.C. Escher, Victor Vasarely en Josef Albers met wat nu optische kunst wordt genoemd. Albers werken zijn studies naar kleurwaarneming, terwijl Eschers werk gebruik maakt van paradoxale plaatsingen, visueel bedrog en perspectieffouten in vormen en structuren die op het eerste gezicht plausibel lijken. De kunstenaar die bekend staat als de grootvader van de optische kunst is de Frans-Hongaarse kunstenaar Victor Vasarely, wiens schilderij met de titel Zebras (1938) door veel kunsthistorici wordt beschouwd als een van de vroegste voorbeelden van Op Art.
Oorsprong van de Op Art-beweging
De stijl die we nu kennen als Op is echter voortgekomen uit het werk van Victor Vasarely, die voor het eerst ongebruikelijke perceptuele effecten onderzocht in sommige ontwerpen uit de jaren dertig. Het kreeg een verdere impuls door de groepstentoonstelling Le Mouvement in Galerie Denise Rene in Parijs in 1955, en later door een reeks internationale tentoonstellingen waarin werd onderzocht wat een tijdlang bekend stond als de ‘Nieuwe Tendency’. Vasarely’s werk trok al snel volgelingen over de hele wereld: Bridget Riley, die net als Vasarely in de reclame had gewerkt, nam de stijl over (al snel kreeg hij zelfs meer bekendheid dan Vasarely) en veel Zuid-Amerikaanse kunstenaars, voornamelijk woonachtig in Parijs, werkten ook in een Op-modus.
Het hoogtepunt van het succes van de beweging was 1965, toen het Museum of Modern Art de stijl omarmde met de tentoonstelling The Responsive Eye, die 123 schilderijen en sculpturen tentoonstelde van kunstenaars als Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Carlos Cruz-Diez, Jesus Rafael Soto en Josef Albers. Veel museumbezoekers waren geïntrigeerd door de botsing van kunst en wetenschap, maar critici zoals Clement Greenberg waren fel gekant tegen de beweging. De breedte van tentoonstellingen zoals The Responsive Eye zaaide ook twijfel over de beweging, want door kunstenaars als Frank Stella op te nemen, wiens interesses zo anders waren dan die van Vasarely, leek het label bijna te breed om bruikbaar of plausibel te zijn.
Op Art had ook een grote invloed op reclame, mode en interieurontwerp, voordat het in de vroege jaren zeventig vervaagde.
Victor Vasarely
Victor Vasarely wordt beschouwd als een van de belangrijkste vertegenwoordigers van de optische schilderkunst. Hij liet zich inspireren en oriënteren op theorieën over het Bauhaus, suprematisme en geometrische abstractie. Hij werd geboren in Pécs, Hongarije in 1906 en groeide op in Piestany en Boedapest, waar hij zowel de basisprincipes van de traditionele academische schilderkunst als de Bauhaus-beweging leerde kennen. Een groot deel van Vasarely’s leven en werk ging over de Op Art-stijl. Zijn schilderijen waren erop gericht mensen uit hun visuele comfortzone te dwingen met de aangename spanning die wordt gecreëerd door ogenschijnlijk bewegende beelden die hun geest sturen naar twijfel en nieuwe ideeën. Hij wilde leven in het dagelijks leven brengen met het spel van kleuren en vormen en zich onderdompelen in de wereld van optische kunstexperimenten.
Duo- 2 uit 1967
De contrasterende warme en koele tinten creëren hier de dubbelzinnige illusie van driedimensionale structuren. Zijn ze hol of bol? De illusie is zo effectief dat we bijna vergeten dat het een geschilderd beeld is, en doen denken dat het een volumetrische constructie is. Hoewel zwart-wit misschien wel de meest memorabele Op-beelden opleverde, intrigeerde kleur ook veel Op-artiesten. De wetenschappelijke studie van kleur stond centraal in het lesgeven aan het Bauhaus, en Vasarely had zeker baat bij zijn opleiding aan wat vaak het ‘Budapest Bauhaus’ werd genoemd. Bauhaus-leraren zoals Joseph Albers moedigden studenten aan om niet te denken aan de associaties of symboliek van kleuren, die zo vaak belangrijk waren in de kunst, maar gewoon aan de effecten die ze op het oog hadden.
Gouache en acryl op board – Privécollectie
Bridget Riley
Bridget Riley is een van de bekendste Op Art-schilders, beroemd om haar opvallende muurschilderingen die zijn samengesteld uit meerdere strepen die optische illusies creëren voor de kijker. Haar zwart-witte geometrische patronen verkennen de dynamiek van het zicht en hebben een desoriënterend effect op het oog, waardoor een illusie van beweging en kleur ontstaat. Riley, geboren in 1931 in Londen, studeerde aan Goldsmith’s College en de Royal Academy of Art. Riley is in het publieke bewustzijn bekend om haar iconische zwart-wit geometrische werken, maar ook om haar tijdelijke openbare muurschilderingen in grote instellingen zoals de Tate Gallery in Londen en het Musée d’Art Moderne in Parijs. Ze woont en werkt momenteel zowel in het Verenigd Koninkrijk als in Frankrijk.
Blaze uit 1964
De zigzag zwarte en witte lijnen in Blaze creëren de perceptie van een ronde afdaling. Terwijl de hersenen het beeld interpreteren, lijkt het afwisselende patroon heen en weer te verschuiven. De in elkaar grijpende lijnen voegen diepte toe aan het formulier terwijl het ritmisch rond het midden van de pagina buigt. De curator Joe Houston heeft betoogd dat werken als Blaze “bij de kijker een ervaring teweegbrengen die gelijk is aan een atmosferische elektrische lading; geen illusie, maar een ‘gebeurtenis’. Riley zelf heeft gezegd: “Mijn werk is ontwikkeld op basis van empirische analyses en syntheses, en ik heb altijd geloofd dat perceptie het medium is waardoor zijnstoestanden direct worden ervaren.”
Zeefdruk op papier – The Institute of Contemporary Prints
Op Art: concepten, stijlen en trends
Op-artiesten hielden zich doorgaans bezig met het gedrag van het oog en ontwikkelden abstracte composities om een verscheidenheid aan optische fenomenen te onderzoeken. Nabeelden, moiré-effecten, verblinding en allerlei andere effecten die het gevolg zijn van de worsteling van het oog om een beeld te lezen, waren voor hen interessant. De beweging heeft nooit een samenhangend geheel van ideeën voortgebracht, en door de reikwijdte en reikwijdte van de interesses van de kunstenaars leek het Op-art-label erg flexibel. Maar het feit dat het label ze kon omarmen, toont aan hoe belangrijk visie en de effecten ervan zijn geweest in de moderne kunst.
Doorgaans gebruikten op-artiesten alleen zwart en wit om het grootste contrast in hun ontwerpen te produceren, aangezien dit contrast de grootste verwarring veroorzaakt voor het oog, dat moeite heeft om te onderscheiden welk element van de compositie zich op de voorgrond bevindt en welk op de achtergrond. Maar soms was ook kleur een punt van aandacht, zoals in Vasarely’s Plastic Alphabet-serie (1960-1980). De manieren waarop kleur ruimte suggereert en de manieren waarop kleuren met elkaar contrasteren, bleken vruchtbare gebieden voor experimenten.
De erfenis van de Op Art-beweging
Kunstenaars vergroten tegenwoordig de reikwijdte en reikwijdte van de Op Art-beweging en blijven putten uit eerdere onderzoeken terwijl ze deze blijven uitbreiden naar een driedimensionale ruimte. De Oostenrijkse kunstenaar Peter Kogler is een van deze kunstenaars, die voorop loopt op het gebied van technologie en tegelijkertijd een grote bijdrage levert aan de Op Art-beweging. De afgelopen 20 jaar heeft Kogler gewerkt aan een radicale transformatie van de tentoonstellingsruimte, waardoor deze een integraal onderdeel van zijn werk is geworden. Bovendien hebben zijn unieke patronen een grote verscheidenheid aan formaten aangenomen, waaronder prints, sculpturen, meubels, behang, verlichtingsarmaturen, collages en door op-art beïnvloede labyrinten ter grootte van een kamer.
Belangrijkste ideeën en prestaties
De Op-art-beweging werd gedreven door kunstenaars die geïnteresseerd waren in het onderzoeken van verschillende perceptuele effecten. Sommigen deden dit puur uit enthousiasme voor onderzoek en experiment. Anderen met de hoop dat de effecten die ze onder de knie zouden krijgen een breed publiek zouden vinden en zo moderne kunst op nieuwe manieren in de samenleving zouden integreren. Net als de geometrische kunst waaruit het was voortgekomen, leek op-art een stijl te bieden die zeer geschikt was voor de moderne samenleving.
Hoewel Op kan worden gezien als de opvolger van geometrische abstractie, suggereert de nadruk op illusie en perceptie dat het ook oudere voorouders zou kunnen hebben. Het kan afstammen van effecten die ooit populair waren bij oude meesters, zoals trompe l’oeil (Frans: “bedrieg het oog”). Of juist door anamorfose, het effect waarbij beelden worden vervormd zodat objecten pas volledig herkenbaar zijn als ze onder een schuine hoek worden bekeken. Of, evenzo, Op-art kan gewoon een kind van moderne decoratie zijn.
Tijdens de jaren van het grootste succes in het midden van de jaren zestig, werd soms gezegd dat de beweging een breed scala aan kunstenaars omvatte wier interesse in abstractie weinig met perceptie te maken had. Sommigen, zoals Joseph Albers, die vaak werden bestempeld als op-artiesten, verwierpen het. Maar het feit dat het label van toepassing lijkt te zijn op zoveel kunstenaars, toont aan hoe belangrijk de nuances van visie zijn geweest in de moderne kunst.
Lang na de ondergang van de op-art blijft de reputatie ervan op het spel staan. Sommige critici blijven de ontwerpen karakteriseren als “prikkels op het netvlies”. Maar anderen hebben betoogd dat de stijl een soort abstracte pop-art vertegenwoordigde, één die de verblinding van de consumptiemaatschappij nabootste, maar die weigerde, in tegenstelling tot popartiesten als Andy Warhol, om zijn iconen te vieren.
Victor Vasarely zei: “de twee creatieve uitdrukkingen … kunst en wetenschap … vormen een denkbeeldige constructie die in overeenstemming is met onze gevoeligheid en hedendaagse kennis”. Victor Vasarely putte uit zijn wetenschappelijke opleiding om kunst te creëren. Het optische effect van zijn ineengestrengelde zwart-witte zebra’s (1938) maakte hem tot de pionier van de op-art.
Latere ontwikkelingen
Hoewel de zeer complexe perceptuele effecten die door Op-artiesten werden gecreëerd, door het grote publiek werden omarmd, beschouwden veel kunstcritici het fenomeen als een vluchtige en ietwat gimmickachtige trend. Commercieel succes kan hebben geleid tot het verval van de beweging, vooral nadat sommige kunstenaars ontdekten dat hun werkontwerpen waren geleend door Amerikaanse kledingfabrikanten. Op-art elementen werden ook vertaald in posters, t-shirts en boekillustraties. Het publiek dat de beweging aanvankelijk omarmde, hekelde het later als niets meer dan een trucje van het oog. Hoewel de beweging in 1968 aan populariteit verloor, worden de systematische optische effecten nog steeds onderzocht in beeldende kunst en architectuur.